Schlagzeuger Chuck Burgi bei Billy Joel, Meat Loaf, Hall und Oates

Von Andy Greene

Die Rolling-Stone-Interviewreihe „Unknown Legends“ bietet ausführliche Gespräche zwischen dem leitenden Autor Andy Greene und erfahrenen Musikern, die jahrelang, wenn nicht jahrzehntelang, mit Ikonen auf Tour waren und Aufnahmen gemacht haben. Alle sind in der Branche bekannt, einige sind der breiten Öffentlichkeit jedoch weniger bekannt. Hier erzählen diese Künstler ihre kompletten Geschichten und geben einen genauen Einblick in das Leben auf der A-Liste der Musik. In dieser Ausgabe ist Schlagzeuger Chuck Burgi zu hören.

Seit einem Jahrzehnt fährt fast ausnahmslos einmal im Monat gegen 13 Uhr ein Stadtauto vor dem Haus des Billy-Joel-Schlagzeugers Chuck Burgi in West Milford, New Jersey, und bringt ihn zum Madison Square Garden, damit er vor 20.000 Menschen auftreten kann. An zwei oder drei anderen Tagen im Monat fährt ihn das Auto zum Flughafen, damit er in ausverkauften Fußballstadien in ganz Amerika vor dreimal so vielen Leuten spielen kann. Seit 30 Jahren gab es kein neues Billy-Joel-Album, aber irgendwie wird der Andrang von Jahr zu Jahr größer.

„Das ist ein Traumjob“, sagt Burgi, der ein paar Wochen vor der Nachricht mit RS sprach, dass Joels MSG-Aufenthalt nächstes Jahr enden wird. „Was für mich wirklich außergewöhnlich ist, ist, dass Billys Musik so viele Teile von mir als Schlagzeuger anspricht, an denen ich jahrelang gearbeitet habe. Es gibt ein bisschen Reggae, ein bisschen Jazz und es gibt auch aggressive Sachen wie „We Didn’t Start the Fire“ oder „Pressure“. Wenn ich mit ihm fertig bin, habe ich das Gefühl, dass ich viel von dem gegeben habe, was ich als Spieler zu geben habe.“

Burgi bekam den Job im Jahr 2006, als Joel sich vom langjährigen Schlagzeuger Liberty DeVitto trennte. Zuvor war Burgi viele Jahre mit Meat Loaf, Hall and Oates, Ritchie Blackmore's Rainbow, Enrique Iglesias und Blue Öyster Cult unterwegs. Er hat auch auf Alben von Bon Jovi, Diana Ross, Michael Bolton und mehreren anderen großen Namen gespielt, aber seinen Lebensunterhalt verdient er größtenteils auf Tour.

„Ich glaube nicht, dass ich jemals das Gefühl hatte, in der Session-Welt zu sein“, sagt er. „Schlagzeuger wie Steve Gadd und Jerry Marotta waren in der Session-Welt tätig. Sie konnten wirklich gut Noten lesen. Ich habe einen Großteil meiner Zeit, nicht unbedingt freiwillig, damit verbracht, meine Arbeit unterwegs zu verrichten.“

Dieser Weg begann für Burgi in Montclair, New Jersey. Sein Vater war tagsüber Börsenmakler und abends Amateurtrommler. Viele seiner frühesten Erinnerungen drehen sich um Jam-Konzerte, die seine Eltern in ihrem Wohnzimmer mit Nachbarn aus der Umgebung veranstalteten. „Mein Vater gewann einen Gene-Krupa-Trommelwettbewerb, als er die Highschool verließ“, sagt er. „Wenn die Nachbarn vorbeikamen, spielten sie alles, von [Duke Ellingtons] ‚Caravan‘ bis [Erroll Garners] ‚Misty‘.“

Während einer Familien-Jam-Session klopfte ein örtlicher High-School-Schüler, den Burgi noch nie getroffen hatte, an ihre Tür. So verrückt und unwahrscheinlich es auch erscheinen mag, es war der zukünftige Eagles-Gitarrist Joe Walsh.

„Er fuhr mit seiner High-School-Band von einem Auftritt nach Hause und sie hörten die Musik, die meine Eltern spielten“, sagt Burgi. „Er wollte wissen, ob er ein paar seiner Bandmitglieder mitbringen könnte. Bei den Treffen meiner Eltern gab es keinen nennenswerten Klavierspieler, bis Joe danach seine Mutter mitbrachte. Sie war eine Scotch trinkende, kettenrauchende Idiotin, die von Boogie-Woogie bis Beethoven alles spielen konnte.“

Danach kamen sich die beiden jungen Musiker näher. „Joe war ungefähr zwei Jahre lang wie mein älterer Bruder, bis er die Highschool abschloss“, fährt Burgi fort. „Dann wurde er im Laufe seiner Karriere zu meinem Helden. Ich dachte, dass ich vielleicht auch eine Chance hätte.“

Burgis High-School-Coverband spielte in Bars in ganz Jersey. In seiner Freizeit reiste er nach Manhattan, um Shows im Fillmore East zu sehen, darunter Jimi Hendrix Experience, Canned Heat, Sly and the Family Stone, Humble Pie und Steppenwolf. Er verbrachte seinen 17. Geburtstag tief im Schlamm von Woodstock. „Die intensivsten Künstler waren Sly und The Family Stone am Samstag“, sagt er. „Ich habe The Who bei Sonnenaufgang spielen sehen. Wir gingen, als Jimi Hendrix [am Montagmorgen] „Star Spangled Banner“ spielte. Wir hatten drei oder vier Tage lang nicht geschlafen. Ich habe meinen Schlafsack verloren. Es war schlammig. Ich war hungrig. Rückblickend empfand ich es als Zeichen des Mutes, einfach durchzukommen.“

Als Burgi in der 10. Klasse war, schloss sich der Gitarrist Al Anderson seiner Band an. Nach seinem Abschluss schrieb sich Burgi am Berklee College of Music ein, brach das Studium jedoch bereits nach wenigen Monaten ab, um sich ganz auf seine Arbeit mit Anderson zu konzentrieren. Die Partnerschaft hielt nicht lange. „Al meinte: ‚Ich muss nach England.‘ „Jimi hat es dort geschafft“, erinnert sich Burgi. „Ich habe ihn zwei Jahre lang nicht gesehen. Das nächste, was ich weiß, ist, dass jemand sagt: „Du musst ins Beacon Theatre.“ „Du musst Al sehen.“ Ich dachte: ‚Mit wem ist er zusammen?‘ ‚Dieser Typ namens Bob Marley.‘“

Anderson war von den Natty Dread-Sessions im Jahr 1974 bis zu Marleys Tod im Jahr 1981 ein zentraler Teil der Wailers. Als er sah, wie sein Bandkollege seine Träume verwirklichte, überzeugte Burgi, dass es auch für ihn möglich war, aber es würde für ihn erst geschehen viel später in den siebziger Jahren.

Was war Ihre erste bedeutende Arbeit im Studio? Ich habe mit dem [Jazz-Fusion]-Gitarristen Danny Toan für Atlantic Records sein [1977] Album First Serve aufgenommen. Es war das erste nationale Album, auf dem ich mitgespielt habe. Max Weinberg war der andere Schlagzeuger.

Ich bin sicher, Sie haben schnell gelernt, dass das Spielen im Studio eine ganz andere Kunst ist als das Spielen auf der Bühne. Ganz, ganz anders. Aber ich war süchtig. Ich wollte das so oft wie möglich machen. Ich habe mit Freunden Platten gespielt. Ich habe versucht, so oft wie möglich ins Studio zu kommen. Ungefähr zu dieser Zeit begleitete ich [Jazz-Fusion-Gitarrist] Al Di Meola auf seiner Tournee [für das Album Elegant Gypsy]. Diese Tour dauerte etwa sieben Monate.

Auf dieser Tour spielen Sie Schlagzeugparts, die ursprünglich von Steve Gadd gespielt wurden. Steve Gadd und Lenny White! Oh mein Gott, zwei meiner Helden. Es gab keinen Moment, in dem ich nicht dachte: „Irgendwann nimmt mich jemand beiseite und sagt: ‚Es tut mir leid.‘ Du solltest nicht hier sein.‘“ Doch dazu kam es nicht. Auf dieser Tour lernte ich die Jungs von Weather Report kennen. Ich durfte Jaco [Pastorius] und Joe Zawinul treffen, einen weiteren meiner Helden. Ich habe Wayne Shorter kennengelernt. Es war eine wirklich überwältigende Erfahrung, auf dieser Tour dabei zu sein.

Wie sind Sie danach bei Brand X gelandet? Am Ende des Jahres hatten wir eine Pause. Ich war bereits ein großer Fan von Brand X. Ich glaube, zu diesem Zeitpunkt hatten sie drei Platten herausgebracht: Unorthodox Behaviour, Moroccan Roll und Livestock. Ein Freund von mir rief mich an und sagte: „Hör mal, kannst du mit diesem Bassisten von Brand X einen Jam machen?“ Sie suchen einen Schlagzeuger.“

Wir gingen zum House of Music, wo „Bat Out of Hell“ aufgenommen wurde, oben in West Orange, New Jersey. Wir richteten uns in einem Raum ein und ich habe mit Percy [Jones], dem Bassisten, gejammt. Mein guter Freund war an der Gitarre. Wir waren nur zu dritt. Wir müssen ungefähr eine Stunde lang gespielt haben, alles verschiedene, seltsame Sachen. Das war es, was ich zu diesem Zeitpunkt machen wollte: Fusion und Jazzrock spielen.

Ungefähr einen Monat später erhielt ich einen Anruf mit der Aussage: „Hören Sie, die Band möchte wieder mit Ihnen spielen.“ Sie werden auf Tour gehen.“ Ich war in LA und habe mit einer anderen Band gearbeitet. Ich traf sie am Nachmittag im Roxy on Sunset. Ich habe mit ihnen gejammt und bekam einen Anruf von ihrem Manager, der mir mitteilte, dass die Band mich mitmachen wollte. Im nächsten Jahr, Anfang 1978, flog ich nach London und lebte ein paar Monate auf einer Farm, während wir aufnahmen.

Sie sind von der Rolle von Steve Gadd zur Rolle von Phil Collins übergegangen. Ja. Ich kann Ihnen gar nicht sagen, wie viele schlaflose Nächte ich zwischen diesen beiden Nächten hatte. Ich hatte immer das Gefühl, überfordert zu sein, aber ich dachte: „Ich habe die Energie und ich glaube, ich weiß, was ich tue.“ Ich glaube, ich weiß, was diese Leute brauchen.“ Ich hatte viel Glück, denn es gab wahrscheinlich viele Leute, die besser ausgebildet waren und mehr über Musik wussten als ich. Die ganze Zeit über, als wir das Album Masques aufnahmen, war ich völlig außer Kontrolle und dachte: „Ich werde scheiße sein. Sie werden mir sagen, ich soll nach Hause gehen.“ Wir haben es überstanden. Und das alles live im Studio.

Dies war eine ziemlich einzigartige Zeit, in der eine Band wie Brand X ohne Sänger touren und große Veranstaltungsorte spielen konnte. Absolut. Als ich jünger war, wechselte ich als Fan vom Rock'n'Roll zum Jazzrock. Es ging sozusagen von Hendrix zum Tony Williams Lifetime, bei dem [Gitarrist] John McLaughlin dabei war, und dann zum Mahavishnu Orchestra. Nachdem ich das Mahavishnu Orchestra gehört hatte, wollte ich nur noch diese Art von Musik spielen. Ich habe es geschafft, meinen Lebensunterhalt mit Vereinsspielen zu bestreiten, aber mein Herz war immer in der Fusion. Ich bin am Ende der Welle von Bands zu Brand

Sobald MTV erscheint, ist damit Schluss, zumindest auf kommerzieller Ebene. Es war völlig zu Ende. Glücklicherweise erhielt ich ein Jahr, nachdem ich Brand X verlassen hatte, einen Anruf von einem Freund, der sagte: „Hall und Oates suchen einen Schlagzeuger.“ Ich fragte: „Machst du Witze?“ Ich liebte „Sara Smile“ und „Rich Girl“. Ich ging zum Vorsprechen und bekam den Job, zwei Jahre lang bei ihnen zu sein. Das war eine große Wende. Riesige Wende.

Das ist eine Untertreibung, von Brand X bis Hall and Oates … Wenn ich sie jemals wieder sehe – und das hätte ich fast getan, als Daryl bei Billy Joel zu Gast sein sollte, es aber einfach nicht geklappt hat –, muss ich ihnen für ihre Geduld danken, da ich so viel gespielt habe. Ich glaube, ich habe gut mit ihnen gespielt, aber ich habe viel mehr gespielt, als sie brauchten. Ich habe mein Bestes gegeben.

Erzählen Sie mir von der Entstehung des Hall and Oates-Albums „Voices“. Sie hatten den größten Teil des Albums fertig. Jerry Marotta hatte Schlagzeug gespielt und war seit ein paar Jahren bei ihnen. Ich lernte Jerry kennen, als er bei Peter Gabriel und ich bei Brand Brand X und Peter hatten die gleiche Verwaltungsgesellschaft.

Als ich dazu kam, war Voices fast fertig. Aber sie wollten ein paar Songs umschneiden, von denen sie dachten, dass ich sie besser machen könnte als Jerry. Wir haben ein paar nachgeschnitten. Ich glaube, der letzte Song, den ich gemacht habe, war ein Remake von „You've Lost That Lovin' Feelin'“. Nun, ich wusste nichts über Click-Tracks. Ich hatte kein Talent für Pop-Aufnahmen. Ich bin da reingegangen und habe so gut gespielt, wie ich konnte. Sie haben den Überblick behalten. Am Ende landete es in den Top 20 und ich hörte mich plötzlich ständig im AM-Radio. Das war umwerfend.

Den größten Teil des ersten Jahres verbrachten sie damit, mit ihnen auf Tour zu gehen und all ihre Hits und einige ausgewählte Songs zu produzieren, darunter das Remake von „You've Lost That Lovin' Feelin'“. Das war der einzige Song, den ich live gespielt habe und an dessen Entstehung ich tatsächlich beteiligt war. Bei allem anderen habe ich meine Vorstellung davon umgesetzt, wer bei ihren Hits Schlagzeug spielt. Das hat wirklich Spaß gemacht.

Was haben Sie gelernt, als Sie mit Daryl und John unterwegs waren? Sie waren absolute Profis. Ich kam sowohl mit John als auch mit Daryl gut klar. Daryl war zu diesem Zeitpunkt bei weitem der beste Leadsänger, mit dem ich je zusammengearbeitet hatte. Ich kannte Joe Lynn Turner und arbeitete mit ihm zusammen. Wir waren alte Freunde und er war mein Lieblingssänger, bis ich anfing, mit Daryl zu arbeiten.

Sie waren großartige Jungs, großartige Bandleader. Sie ließen mich mein Ding mit sehr wenig Input machen. Alles, was verfeinert werden musste, überließen sie dem Bassisten oder einem anderen Bandmitglied, um mit mir zu sprechen. Es war einfach.

Erzählen Sie mir von der Produktion von „Private Eyes“. Ich habe die Hälfte der Platte gemacht und sie haben sie schließlich weggeworfen. Am Ende behielten sie ein Lied und ich ging. Es war eine Trennung. Ich wollte härtere Sachen spielen. Sie wollten, dass ich jemand bin, der ich zu diesem Zeitpunkt nicht sein wollte.

Der einzige Song, bei dem Sie mitspielen, ist „Your Imagination“. Ja. Es war nur ein Jam zu einem Drumcomputer. Ich hatte andere Lieder herausgeschnitten, aber sie wurden nicht verwendet. Und das wahrscheinlich zu Recht. Ich wollte sie zur Polizei machen. Ich wollte mehr Reggae-beeinflusste Musik machen. Ich wollte härter sein. Der Abschied fiel uns wirklich leicht. Ich habe gerade [Hall and Oates-Manager] Tommy Mottola angerufen und gesagt: „Ich habe ein weiteres Angebot von einer anderen Gruppe erhalten.“ Er meinte: „Das ist großartig. Wir wollten Sie anrufen und sagen, dass wir jemand anderen holen wollten.“ Ich sagte: „Gut. Ich wünsche Ihnen Glück." Anschließend arbeitete ich mit einer Band namens Balance. Sie gehörten zu einer Tochtergesellschaft von Columbia. Und Hall und Oates bekamen [Schlagzeuger] Mickey Curry, der großartig war.

Wie bist du zu Rainbow gekommen? Ich bin ein alter Freund von Joe Lynn Turner. Er rief mich an und sagte: „Hören Sie, wir haben eine Tournee und müssen eine Platte aufnehmen. Ritchie [Blackmore] ist mit dem derzeitigen Schlagzeuger [Bobby Rondinelli] nicht zufrieden. Würde es dich interessieren, einen Jam zu machen?“ Sie hatten bereits „Straight Between the Eyes“ und „Difficult to Cure“ gemacht. Beide Alben hatten große Radiohits. Ich sagte: „Ja, ich werde auftauchen.“

Ich war auf einer Jam-Party auf Long Island. Ich fand, dass es wirklich gut gelaufen ist. Ritchie war an diesem Tag sehr, sehr unkommunikativ. Als wir mit dem Spielen fertig waren, zog er einfach den Stecker und ging hinaus. Ich erinnere mich, wie ich Joe und [Bassist] Roger [Glover] ansah, der wirklich ein umgänglicher, süßer Mann ist, und sagte: „Nun, ich denke, das ist gut gelaufen.“ Sie lachten und sagten: „Mach dir keine Sorgen. Das ist einfach er.“

Das war meine erste Erfahrung mit Ritchie. Während wir spielten, hat er mich nicht einmal angesehen. Er starrte nur auf die Bühne. Dann hat er sich nicht einmal bei mir bedankt oder so. Er legte einfach seine Gitarre ab und ging hinaus.

Während ich zusammenpackte, kam Roger auf mich zu und sagte: „Ich habe eine Soloplatte, die ich machen möchte. Möchtest du darauf spielen?“ Wir begannen mit der Arbeit an seinem Album Mask. Ungefähr zur Hälfte sagte er: „Ich muss nach Kopenhagen, um die nächste Rainbow-Platte zu produzieren.“ Ritchie hatte diesen Jungen aus Long Island ausgewählt, um Schlagzeug zu spielen. Ich kenne nicht einmal seinen Namen, aber ich wünschte ihm alles Gute.

Ungefähr zwei Wochen später bekomme ich zu spät und wahrscheinlich sehr früh dort einen Anruf. Es waren betrunkene Roger und Joe, die sagten: „Alter, du musst hierher in ein Flugzeug steigen. Wir sind seit zwei Wochen unterwegs und haben noch keinen einzigen Take mit diesem Kerl.“ Also ging ich am nächsten Tag zu ihrem Management, sprach mit ihnen und flog nach Kopenhagen, ohne zu wissen, was ich tat oder worauf ich mich einließ.

Ich bin mir sicher, dass es stressig war. Sie hatten so viele Besetzungswechsel durchgemacht, und irgendwann hatten sie den großartigen Cozy Powell am Schlagzeug. [Großes Lachen.] Ich fand Bobby großartig. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch nie mit einer Doppelbassdrum gearbeitet. Bei Marke X habe ich einfach alles gegeben und getan, was ich konnte. Bobby wurde geschult und studierte. Ich fand, dass er ein großartiger Spieler war. Der Start dieses Projekts war mehr als stressig. Als es vorbei war, war ich mir sicher, dass ich einen dieser Typen nie wieder sehen würde. Und siehe da, ein paar Wochen später erhielt ich einen Anruf von ihrem Manager. „Hey, Ritchie möchte wissen, ob du auf die Straße gehen willst.“

Ich war am Boden. Ich sagte: „Das muss ein Scherz sein, aber klar.“ Es war wirklich eine der besten Entscheidungen, die ich je getroffen habe. Ich hatte eine schöne Zeit. Wir haben im Budokan eine wirklich coole Aufnahme mit einem 32-köpfigen Orchester gemacht. Leider war die Band schon seit ein paar Monaten ausgefallen. Ich hatte das Gefühl, wir hätten noch besser spielen können. Aber es gibt einige wirklich coole Momente.

Ritchie war mein Held. Als „Hush“ Ende der Sechziger herauskam, dachte ich nur: „Der Typ ist absurd.“ Und dann kam Machine Head heraus. Ach du lieber Gott. Als ich erfuhr, dass Joe in der Band war, ging ich los und besorgte mir die Platten, auf denen er gesungen hatte. Natürlich dachte ich damals, dass es das Beste war, was er je gemacht hatte. Ich war begeistert, wieder in einer Band zu sein und mit meinem Lieblingssänger zusammenzuarbeiten.

Als die Tour zu Ende ging, hörten Sie irgendwelche Hinweise darauf, dass Deep Purple sich neu formieren würde? Nein. Ich muss ehrlich sein. Wir haben viele coole Sachen gejammt, die schließlich auf [Deep Purples] Perfect Strangers-Platte landeten. Ich erinnere mich, dass ich das Lied „Perfect Strangers“ gejammt habe. Ich dachte: „Mann, wenn wir ins Studio kommen, wird das töten.“ Dann verließen wir die Straße und eine Woche später erhielt ich einen Anruf von ihrem Manager Bruce [Payne]. Er sagt: „Ich habe gute Nachrichten und ich habe schlechte Nachrichten erhalten. Du wirst noch eine Weile auf der Gehaltsliste stehen, aber die Band hört auf. Ritchie und Roger bauen Deep Purple wieder auf.“ Das ist das Musikgeschäft. Was auch immer. Danach habe ich noch ein paar verrückte Jahre damit verbracht, Joe dabei zu helfen, seine Soloplatte in Gang zu bringen.

Wie bist du zur ersten Bon-Jovi-Platte gekommen? Als ich zu Balance kam, habe ich ihre Platte im Power Station aufgenommen. Ich traf Tony Bongiovi, Jons Cousin. Er war Miteigentümer von Power Station und Jon war der Nachthausmeister. Er kam immer vorbei und blieb im Türrahmen rum, während wir eine Sitzung machten. Ich habe ihn kennengelernt und mit ihm gesprochen. Gleichzeitig konnte ich durch Balance Management mit einer Reihe anderer Leute Aufnahmen machen. Ich durfte auf Michael Boltons erster Soloplatte mitspielen.

Und ich bekam einen Anruf von einem Mann, der eine Band namens Arc Angel gründete, die anders war als Arc Angels mit Charlie Sexton. Sein Name war Lance Quinn. Lance produzierte schließlich den Großteil dieser ersten Bon-Jovi-Platte. Und ähnlich wie damals, als ich anfing, hatte [Bon-Jovi-Schlagzeuger] Tico [Torres] sich noch nicht daran gewöhnt, wie man aufnimmt. Sie hatten einige Lieder von ihm, die sie behalten wollten, aber sie wollten sie umschneiden. Also bekam ich einen Anruf von Lance, er solle zum Kraftwerk kommen. Ich habe die Aufnahme der Platte beendet. Ich glaube, ich habe bei fünf Songs mitgespielt und mir wurde entweder der Bass oder ein „zusätzlicher Musiker“ zugeschrieben. Ich glaube, sie schreiben mir jetzt das Schlagzeug zu.

Du bist doch nicht bei „Runaway“ dabei, oder?‘ Nein. Das war ein einmaliger Schnitt mit dem Mann, der A&R bei Atlantic Records gemacht hat, Frankie LaRocka. Es war nur ein Einzelfall, für Plattenfirmen zu spielen. Nachdem Jon den Deal bekommen hatte, war Tico beigetreten.

Wie begann Ihr Meat Loaf-Kapitel? Das begann eigentlich mit Bobby Kulick, den ich in Balance kennengelernt habe. Als ich den Anruf wegen Meat Loaf bekam, verließ ich Balance, um mich Rainbow anzuschließen. Ich hatte seit ein paar Jahren nicht mehr mit Bobby gesprochen. Er rief mich aus heiterem Himmel an und sagte: „Was machst du?“ Ich sage: „Ich bin zwischen zwei Auftritten. Was ist los?" Er sagt: „Dieser Künstler, mit dem ich früher zusammengearbeitet habe, hat mich gerade angerufen. Er möchte, dass ich der Band wieder beitrete. Er hat viele Probleme mit den Leuten, die er eingestellt hat. Ich möchte, dass du reinkommst und mit ihnen spielst. Du hast zwei Tage. Hören Sie sich „Bat Out of Hell“ an, alle Songs auf dieser Platte.“

Ich ging hinein, sprach vor und das war's. Ich glaube tatsächlich, dass Bobby mehr Knöpfe gedrückt hat, als ich wusste, da er gekommen ist, um mein komplettes Schlagzeug für mein Vorsprechen zu holen. Ich schätze, Bobby meinte: „Du wirst diese Person wollen.“ Das war Ende 1986.

Das war Jahre nach dem Höhepunkt von Meat Loaf. An welchen Orten hast du gespielt? Ich schließe mich der Band an, wir proben in Manhattan und Ende 1986 machen wir eine Reihe von TV-Shows: David Brenner, Solid Gold … Dann starteten wir eine umfassende Tournee durch Europa. Unsere ersten beiden Shows waren Fernsehsendungen in London. Unser erster Auftritt war der erste von zwei Abenden in der Wembley Arena, die ausverkauft war. An beiden Abenden nahmen sie ein Live-Album auf.

Er war einer der intensivsten Interpreten der Rockgeschichte. Wie war es, ihm dabei zuzusehen, wie er jede Nacht den Verstand verlor? Oh Mann. Meiner Einschätzung nach – und das sagte er auf VH1 – waren 1987 bis 1990 wahrscheinlich die Höhepunkte seiner Leistung und seiner Stimme. Und ich hatte noch nie mit einer Persönlichkeit wie ihm gearbeitet. Auf der Bühne hatte er endlose Energie. Bei ihm drehte sich alles ums Theater. Ich hatte ziemlich gut gelernt, jemanden zu beobachten und zu lesen, besonders nachdem ich mit Ritchie zusammengearbeitet hatte, aber Meat war ein einzigartiger, herausragender Mensch.

Mann, er hat es kaputt gemacht, vielleicht sogar übertrieben. Das war seine Stärke. „Wenn man etwas zweimal machen könnte, damit es gut wird, warum macht man es dann nicht 20 Mal?“ Es wird noch besser!“ Seine Entscheidungen waren nicht immer die besten, aber er gab jedes Mal, wenn wir spielten, eine Million Prozent.

Wie war es, mit ihm außerhalb der Bühne zu sein? Er war der Erste, der zugab, dass er ein emotionaler, sprunghafter Typ war. War es jemals schwer? Er lebt nicht mehr. Wenn ja, würde ich dem einleiten: „Fleisch, ich werde es einfach so erzählen, wie es ist, wie es für mich war.“ Er war an jedem Tag so viele verschiedene Menschen. Wenn einer von uns in der Band ihn vor den anderen sehen würde, würden wir fragen: „Welches Brot gibt es heute?“ Glückliches Brot? Trauriges Brot? Mittleres Brot? Schlechtes Brot?“ Bobby Kulick hat viele dieser Namen herausgebracht.

Er war sehr unbeständig. Er war auch sehr übertrieben. Manchmal war es wirklich schwierig, mit ihm zusammen zu sein, wenn er wütend war, wenn er Angst hatte, wenn er sich unsicher fühlte. Er schrie die Band immer an. Er ließ seine Wut und seinen Frust an uns aus, wenn wir im Bandbus saßen. Wir saßen alle im Wohnzimmer. Er kam herein und schrie und schrie, nicht unbedingt auf einen von uns, sondern nur, um seiner Wut oder Frustration Luft zu machen. Wir hatten keinen Ort, an den wir gehen konnten. Du konntest nicht aufstehen und zu deiner Koje gehen, also musstest du einfach da sitzen und es nehmen. Es war, als würde man als Teenager beschimpft.

Ich denke, wenn ich versuche, es aus seiner Perspektive zu betrachten, ist dies ein Typ mit einer traumatischen Kindheit, der kurzzeitig einer der größten Namen im Rock war. Es verschwand alles in einem Augenblick. Sein Geld verschwand, sein Ruhm verschwand, seine Stimme verschwand ... Ich kann mir vorstellen, dass das alles viel zu viel war, als dass er es verarbeiten konnte. Oh ja. Er war der größte Haufen Leute, den ich je gekannt habe. Er war wie das kleine Mädchen mit den Locken. Wenn er gut war, war er großartig. Wenn er schlecht war, war er absolut abscheulich. Ich habe fast sieben Jahre mit ihm zusammengearbeitet. Auf dieser Tour, der allerersten Tour, lernte ich meine Frau kennen.

Wie ist das passiert? Sie und ihre Schwester lebten in Deutschland. Es waren Gören der Luftwaffe. Sie lebten in Frankfurt und arbeiteten für den Mann, der die Platte produziert hatte, für die die Tour bestimmt war. Ein Typ namens Frank Farian, der später Milli Vanilli produzierte.

Frank produzierte das Album „Blind Before I Stop“, das ich zusammen mit Meat Loaf promotete. Meine damalige Freundin und ich verstanden uns sofort. Sie sang zusammen mit ihrer Schwester alle Backgrounds auf dieser Platte. Und dann lernte Meat Loaf sie kennen und fragte, ob sie mit auf die Reise gehen wollten. Sie sagten ja.

Ich habe alle in Manhattan kennengelernt und mich sofort in Amy [Goff] verliebt. Wir hatten sieben turbulente Jahre, in denen wir in derselben Band zusammenarbeiteten und uns liebten. Viele Jahre später heirateten wir. Und wir sind immer noch zusammen. Das waren die verrücktesten Zeiten überhaupt.

Haben Sie Jim Steinman getroffen? Viele Male. Er kam zu jeder Show in New York. Er kam nach London. Ich habe ihn wahrscheinlich ein halbes Dutzend Mal getroffen.

Ich bin mir sicher, dass Sie viel über Bat Out of Hell II gesprochen haben, da sie jahrelang daran gearbeitet haben. Ja. Es dauerte Jahre, bis es passierte. Sie waren gerade dabei, es aufzunehmen, als ich ging. Er sagte, sie würden nicht mehr auf Tour gehen. Ich hatte ein Angebot von den Jungs von Blue Öyster Cult.

Wie haben Sie sich gefühlt, als Bat Out of Hell II gerade explodierte? Sie müssen schockiert gewesen sein. Es war schwer. Es war wirklich seltsam, weil ich Meat überredet habe, den Schlagzeuger live zu engagieren. Als das passierte, sagte ich zu ihm: „Ich werde dem Blue Öyster Cult beitreten.“ Er sagte: „Das ist großartig.“ Dann erhielt ich einen Anruf von seinen Managern, die sagten: „Hören Sie, wir haben noch eine Woche auf Tour.“ Ich sagte: „Ich bin ausgebucht, und das werde ich auch einhalten.“ Ich gab ihnen den Namen eines Mannes, der bis zum Tod von Meat Loaf in der Band blieb: Johnny Miceli.

Es ist so verrückt, dass Meat Loaf auf dem Höhepunkt der Grunge-Ära den größten Hit seiner Karriere landete. Es ergibt einfach keinen Sinn. Überhaupt keinen Sinn. Ehrlich gesagt, nachdem ich diese fast sieben Jahre für mich selbst durchgemacht hatte, schaute ich es mir an und freute mich über seinen Erfolg. Aber Mann, ich wusste, dass ich emotional nicht mehr mit ihm hätte anfangen können. Am Ende unserer gemeinsamen Zeit spitzten sich viele Dinge zu.

Wir trennten uns einvernehmlich, aber Meat und ich gerieten ein paar Mal aneinander. Es war nicht körperlich, aber ich schrie ihn schließlich an und drückte etwas meiner Wut und Frustration aus, weil er alle in der Band am längsten mitgenommen hatte. "Bleibe bei mir. Ich kann dir nicht mehr bezahlen, aber ich werde dich für das nächste Album einsetzen und es wird eine riesige Tour geben.“ Lange dachten wir alle: „Okay, das hört sich toll an.“

Ich muss sagen, dass ich in so vielen Bands gespielt habe. Die Band, in der ich zum ersten Mal Mitglied war, war eine der ganz besonderen Gruppen. Es stimmte die Chemie. In Billys Band ist es genauso. Das kann man nicht kaufen. Ähnlich wie bei einer guten Sportmannschaft kann man nicht das Talent kaufen, um eine Spitzenmannschaft zu bilden. Sie können die Komponenten haben, aber gibt es Magie? Gibt es etwas Besonderes? Gibt es eine Chemie? Oft ist das nicht der Fall, egal wie viel das Management für einige der besten Spieler der Welt ausgegeben hat.

Erzähl mir von deiner Zeit im Blue Öyster Cult. Das hat wirklich Spaß gemacht. Ich habe zwei Platten mit ihnen gemacht. Der erste [Cult Classic] war für sie eine Herzensangelegenheit. Für mich war es ein bisschen wie ein Karaoke-Album. Was passierte, war, dass sie ihre Originalaufnahmen in die Hände bekommen mussten, aber das konnten sie nicht. Einige von ihnen waren verloren gegangen. Ihre Beziehung zu Columbia war schon Jahre zuvor in die Brüche gegangen. Was sie tun mussten, war, alle ihre größten Songs neu aufzunehmen und sie wie das Original klingen zu lassen. Keine Neuinterpretation, sondern fast Karaoke-Versionen davon. Es war sehr unerfüllt. Es dauerte etwa zwei Jahre, bis sie ein Budget hatten, um ein paar weitere Demos fertigzustellen, die wir gemacht hatten. Und am Ende habe ich den größten Teil des Albums „Heaven Forbid“ mitgespielt.

Ich bin mir sicher, dass dies für Buck, Eric und Allen eine ziemlich harte Zeit war. In den Neunzigern erlebten sie kein Meat Loaf-artiges Comeback. Das war einfach nicht ihre Ära. Absolut. Darüber hinaus wollte ich jedes Mal, wenn ich mit ihnen spielte, sie schwerer machen. Ich wollte sie Pantera machen. Ich habe Pantera ununterbrochen wegen der harten Musik gehört. Und meine Güte, dann kamen Nirvana und zerstörten die Überreste der Achtzigerbands und stellten das Musikgeschäft auf den Kopf. Sie befanden sich zwischen einem Felsen und einem harten Ort.

Du warst kurz in Red Dawn. Das scheint eine gute Band zu sein, die ein schreckliches Timing hatte. Völlig schlechtes Timing. Gott, es war so eine gute Band auf CD. Wir haben nie gespielt. Wir waren nie auf Tour. Es hat uns viel Spaß gemacht, die Musik zusammenzustellen und aufzunehmen. Es wurde von unserem jetzigen musikalischen Leiter [in Billy Joels Band], David Rosenthal, produziert. Ich kenne David, seit ich 1983 zu Rainbow kam. Als ich dazu kam, war er zwei Jahre bei Rainbow.

Wie war es, Ende der Neunziger zu Rainbow zurückzukehren? Ich bin mir sicher, dass es sich ganz anders anfühlte. Es fühlte sich ganz anders an, aber es war außergewöhnlich. Ich fand das Album, das sie gemacht haben [Stranger in Us All] war ein wenig abenteuerlustig, was das Schlagzeug angeht, aber es hatte wirklich gute Songs. Ich war mir nicht sicher, wie die Welt die Band begrüßen würde, aber es war eine unglaublich erfolgreiche Tour.

Ich traf den Bassisten Greg Smith, der das Red Dawn-Album machte. Dann gingen wir getrennte Wege. Er war mit Alice Cooper zusammen. Dann gelang es ihm, sich Ritchie anzuschließen, als ich bei Blue Öyster Cult war, und sie nahmen das Album auf. Aber Ritchie wollte mehr aus dem Schlagzeug herausholen, als er damals bekam. Das ist alles, was ich wusste. Greg schlug vor, mich anzurufen. Ich war immer noch bei BOC, aber ich sagte: „Okay, ich bin fertig.“

Wie hat sich Doogie White als Leadsänger von Rainbow geschlagen? Er war großartig. Er war so ein Fan und so ein süßer Mann. Ich fand die Band außergewöhnlich. Dies war Doogies erster Versuch, harten, melodischen Rock zu spielen. Er war so ein Schatz. Ich liebte die anderen Jungs in der Band und kam mit Ritchie gut klar. Ich dachte, er spiele besser als damals, als ich 1983 mit ihm spielte.

Diese Sets waren ziemlich cool, da Sie viele Deep Purple-Cover gemacht haben. Ja! Wir haben „Burn“ gemacht. Wir haben „Perfect Strangers“ gemacht. Ich dachte: „Jetzt weiß ich, wie es ist, dieses Lied wirklich zu spielen!“ Kurz bevor Rainbow Schluss machte, hatten wir beim Soundcheck damit herumgespielt. Aber ich hatte eine Menge Spaß auf dieser Tour. Wir sind um die ganze Welt gereist und haben an wirklich großen Orten gespielt. Es hat nur Spaß gemacht.

1997 entschied Ritchie, dass er keinen Hardrock mehr machen wollte und schlug eine ganz andere Richtung ein. Ja. Das habe ich kommen sehen. Glücklicherweise hatte man mir bereits ein ganzes Jahr Reisen mit Enrique Iglesias angeboten. Das war eine große Übersetzung.

Wie ist das passiert? Es ist eine große Abweichung von dem, was Sie zuvor getan haben. Es kam nur zustande, weil ich Tommy Byrnes kennengelernt hatte, der immer noch der Gitarrist von Billy ist. Er und ich begannen, gemeinsam Projekte aufzunehmen. Er brachte all diese jungen Leute hervor, die versuchten, Plattenverträge zu bekommen. Am Ende war ich sein Mann, der alle möglichen Studioarbeiten erledigte. Er rief mich buchstäblich an und sagte: „Hey, ich habe diesen Job bekommen. Es wird ein Jahr voller Arbeit werden. Du bist nicht die erste Wahl des Künstlers, da der Künstler die Billy-Band will.“

Liberty sagte, er wolle es nicht tun. Billy sagte, er würde dieses Jahr frei nehmen. Crystal [Taliefero] sagte ja. Dave Rosenthal sagte ja. Dann rief er mich an und sagte: „Ich denke, du solltest das tun.“ Und dann waren wir unterwegs.

Es ist interessant, dass Enrique Billys Band wollte. Er hat so einen anderen Klang. Ich schätze, er hat ihn live gesehen und es hat ihm wirklich gefallen. Absolut. Er sah Billy live und er wollte die Lichter und er wollte die Band. Er bekam den Großteil der Band und den gleichen Lichtregisseur [Steve Cohen], den wir bis heute haben. Wir haben eine umwerfende Show für ihn zusammengestellt.

Enrique war noch sehr jung und hatte gerade erst angefangen.Ich glaube, er war 21. Als ich ihn traf, hatte er bereits über 15 Millionen Platten verkauft.

Es muss für Sie eine ganz andere Erfahrung gewesen sein, vor schreienden jungen Leuten zu spielen. Mann, es war verrückt. Die erste Tour, die wir machten, basierte auf den beiden Alben [Enrique Iglesias und Vivir], die herauskamen. Sie waren beide auf Spanisch. Wir spielten hauptsächlich im Süden der USA. Wir haben eine ganze spanische Welttournee gemacht. Es waren Monate in ganz Mittel- und Südamerika, Mexiko. Wir waren zwei Monate in Spanien.

Ach du lieber Gott. Es war das Verrückteste, was ich je getan habe. Ich habe in all diesen Ländern gespielt und frei gehabt, von denen ich wusste, dass ich als Gringo niemals einer Rock'n'Roll-Band beitreten würde. Es würde mir schwer fallen, sie jemals zu sehen, geschweige denn, vor dieser riesigen Mädchenschar zu spielen.

Die Mädchen schrien nicht nach Blue Öyster Cult oder Rainbow. Nein. Es war wirklich, als wäre man mit ihm bei den Beatles. Es gab so viele große Shows, bei denen die Mädchen so laut schrien, dass wir uns selbst kaum hören konnten.

Ungefähr zu dieser Zeit stand Enrique kurz vor dem großen Durchbruch in den USA. Plötzlich war er überall auf MTV und in den Top 40-Radios zu hören und sang auf Englisch. Ja. Enrique kam drei Jahre, nachdem ich mit „Bailamos“ zu ihm kam, endlich ins Radio. Ich glaube, es war das erste Lied, das er auf Englisch gesungen hat, obwohl es einen spanischen Titel hatte. Ich habe diese Tour gemacht. Wir haben viel ferngesehen. Leider haben wir viel Playback gemacht, weil dieses spezielle Album, Cosas del Amor, so anders produziert wurde als die ersten beiden, dass wir eine andere Richtung einschlagen mussten, um es live umzusetzen. Und die Band bestand größtenteils nicht aus denselben Leuten. Wir konnten Crystal, David oder Tommy nicht zurückbekommen. Die Musik war mit vielen langen Gitarrensoli eine echte Abkehr von der fast Journey-Atmosphäre seiner ersten und zweiten Platten. Das letzte Album, mit dem ich auf Tour war, war sehr poppig, eine komplette Linkskurve.

Wie schwer war es für Ihr Familienleben, ständig auf Tour zu sein? Meine erste Ehe ist geplatzt, weil ich die ganze Zeit unterwegs war, und auch, weil wir, als ich Amy kennenlernte, die jetzt meine zweite Frau ist, plötzlich zusammen in einer Band waren. Das machte einen großen Unterschied. Bis dahin war ich noch nie mit einer Frau zusammen gewesen, die das Geschäft von Anfang bis Ende kannte. Da wir fast sieben Jahre zusammen unterwegs waren, ließ ich mich schließlich scheiden.

Ich war mit meiner ersten Frau zusammen und sagte: „Ich kenne dich überhaupt nicht, und du kennst mich nicht.“ Es war ein Fehler zu heiraten. Wir hatten keine Kinder. Ich wollte nie Kinder haben. Ich weiß nicht, wie andere das gemacht haben. Ich dachte: „Ich möchte kein abwesender Vater sein.“ Ich habe es zu oft mit Freunden gesehen.

Wenn man ins Musikgeschäft einsteigt, ist man von Anfang an ein Nerd. Wenn man ein Instrument gut beherrscht, ist man wie ein Eishockey-Nerd oder Fußball-Nerd. Mit „Nerd“ meine ich, dass man sich die ganze Zeit so darauf konzentrieren muss, dass sein soziales Leben abnimmt. Wenn ich nicht mit meiner Familie oder der Band, mit der ich auf Tour bin, unterwegs bin, sehe ich vielleicht einen Freund zu Hause.

Beziehungen verändern sich, wenn man so viel unterwegs ist. Du vermisst Hochzeiten. Du vermisst Scheidungen. Du vermisst Todesfälle. Du vermisst Geburtstage. Du vermisst Beerdigungen. Du vermisst alles. Es fordert seinen Tribut von einem Großteil Ihres Lebens.

Wie sind Sie dazu gekommen, im Billy Joel Broadway-Musical „Movin‘ Out“ Schlagzeug zu spielen? Wieder durch Tommy [Byrnes]. Als ich Enrique schließlich verließ, nahm ich mir ein Jahr Auszeit. Ich machte einen Deal mit Amy, die mit ihrer Schwester alle bekannten Jingles in New York sang. Sie waren bei jedem großen Jingle und jeder TV-Werbung als Backgroundsänger und Leadsänger zu sehen. Ich machte einen Deal mit ihr und sagte: „Ich bin für eine Weile mit der Reise fertig. Ich möchte lernen, wie man einen Computer bedient und darauf Musik macht.“

Während ich zu Hause war, rief Tommy mich an und sagte: „Hör zu, ich habe noch etwas anderes. Ich weiß nicht, ob du das machen willst, aber ich stelle eine Band zusammen, die für diese Produzenten vorsprechen wird. Es macht Billys Musik. Möchtest du es dir ansehen?“ Ich sagte: „Sag mir, was ich tun muss, und ich werde da sein.“

Wir trafen uns im SIR in Midtown, lange nachdem er mich angerufen hatte. Mann, wir haben es gerockt, ein paar Wochen lang geprobt. Dann kamen die Tänzer und wir machten eine Produzentenpräsentation. Innerhalb weniger Wochen machten wir uns auf den Weg nach Chicago, um die Show zu proben, zusammenzustellen und erste Vorführungen in Chicago zu eröffnen, in der Hoffnung, sie dann an den Broadway bringen zu können. Es war verrückt.

Das ist ein ganz anderer Lebensstil. Sie können jede Nacht in Ihrem eigenen Bett schlafen. Ach du lieber Gott. Es war wirklich ein wahrgewordener Traum, denn ich lebte schon lange in Manhattan und musste immer zur Arbeit fliegen. Als diese Show endlich am Broadway startete, lebte ich in der Upper West Side. Wenn ich wollte, könnte ich nach der Show in 20 Minuten mit dem Taxi zu Hause sein. Es war fabelhaft. Es war das einzige Mal, dass ich am Broadway war.

Ist es jemals eintönig geworden, eine Show zu machen, die so eingesperrt war? „Monoton“ ist vielleicht nicht das beste Wort, denn das war meine erste Gelegenheit, Billys Musik kennenzulernen, die wirklich abwechslungsreich war. Wir hatten tatsächlich die Chance, ein oder zwei der Songs hinsichtlich Rhythmus und Struktur neu zu schreiben. Es war einfach eine größere Tortur. Ich hatte noch nie acht zweistündige Shows pro Woche gespielt, Woche für Woche für Woche. Mann, in den ersten paar Monaten war ich am Ende jeder Woche am Boden zerstört.

Als wir in Chicago waren, gab es montags, an unseren freien Tagen, Besetzungspartys. Und ich wurde gerade erschossen. Ich ging immer zu einer Masseuse und betete, dass ich genug zusammen sein würde. Meine Hände waren alle gespalten und aufgerissen. Ich würde beten, dass ich fit genug bin, um am Dienstag wieder mit den Proben beginnen zu können.

Offensichtlich ist das Schlagzeugspielen körperlich viel schwieriger als das Spielen von Bass, Gitarre oder im Grunde alles andere. Ich hatte Liberty ein paar Mal mit Billy spielen sehen. Er war ein wirklich harter Schlagmann, ein großartiger Showman. Ich dachte: „Jesus, wenn ich das machen will, muss ich jede Sekunde bei 100 Prozent sein. Ich muss als Spieler zumindest die Energie mitbringen, die er immer dann gezeigt hat, wenn ich sie gesehen habe.“ Das war extra hart. Ich schlug härter als je zuvor und versuchte, es ihm gleichzutun.

Du hast Billy in dieser Zeit kennengelernt, oder? Ja. Mehrmals. Manchmal kam er vor den Vorhang, wenn alle herauskamen und sich einander vorstellten. Er würde sich verbeugen. Normalerweise spielten wir „New York State of Mind“, das nicht in der Aufführung vorkam, aber immer einer seiner Favoriten war. Dann fragte er uns manchmal: „Hören Sie, wenn ich das nächste Mal komme, hören Sie sich dieses Lied an.“ Wir fingen an, ein paar andere Sachen zu spielen. Das war wie: „Oh mein Gott, ich werde tatsächlich mit Billy jammen.“

Wie wurden Sie zum ersten Mal darauf angesprochen, den Job in seiner aktuellen Band anzunehmen? In den letzten drei Jahren kam Tommy einmal im Jahr zu mir und sagte: „Willst du auf Reisen gehen? Billy wird auf die Straße gehen. Er möchte, dass du mit ihm spielst.“ Und es ist nie passiert. Als es tatsächlich soweit war, ging die Show zu Ende. Ich habe Tommy überhaupt nicht geglaubt. Aber er sagte: „Im wahrsten Sinne des Wortes werden wir uns auf den Weg machen.“ Ich dachte: „Ja, was auch immer.“

Dann rief er mich vor einer unserer letzten Shows zu Hause an und sagte: „Alter, du musst dich darauf einlassen. Er möchte, dass du in der Band bist.“ An diesem Punkt dachte ich: „Machst du Witze?“ Das war es. Wir beendeten die Show und sie brachten meine Ausrüstung zum Proberaum. Tagsüber habe ich mit Billy geprobt und abends „Movin‘ Out“ gemacht.

Ich könnte mir vorstellen, dass das ziemlich stressig war. Billy hatte 30 Jahre lang einen Schlagzeuger. Er spielte auf den meisten Aufnahmen mit. Die Fans kannten und liebten ihn alle. Fühlten Sie sich etwas seltsam, als Sie ihn ersetzten? Ja! Das Gleiche passierte, als ich Rainbow beitrat oder irgendjemandem beitrat. Liberty war schon so lange dabei und spielte bei allen großen Songs mit. Es ist ungefähr 18 Jahre her, seit ich bei Billy bin, und erst jetzt verstehe ich, wie ich in dieser Band ich selbst sein soll. So viele Jahre lang hatte ich das Gefühl, den Geist der Freiheit durchzuspielen, nicht nur vor der Menge, sondern in meinem eigenen Kopf. Jetzt fühle ich mich wie ein Teil der Band, aber es hat lange gedauert.

Ihre erste Show mit Billy fand im Januar 2006 in Sunrise, Florida statt. Für Billy-Fans ist dies so etwas wie ein mythischer Abend, da er die Show rückwärts mit „Piano Man“ eröffnete und dann diese lange Reihe von Super-Raritäten aufführte. Es ist anders als jede andere Billy-Show in der Geschichte. Es war so ein harter Abend. Ich kann es kaum erwarten zu gehen. Um es vorwegzunehmen: Ich hatte etwa 1.400 Shows mit Movin‘ Out gemacht. Mein Muskelgedächtnis war auf die Geschwindigkeit eingestellt, die wir für alle Tänzer vereinbart hatten. Keines dieser Tempi war so, wie Billy sie spielen wollte. Ich begann langsam zu versuchen, Billys Set mehr im Albumtempo zu spielen.

Dann die erste große Show, ich bin völlig aus dem Häuschen. Ich schaue mir die Setlist an und denke: „Ein Walzer? Ich werde die Show mit einem Walzer beginnen!“ Oh mein Gott, es war so schwer.

An diesem Abend spielte er „Laura“, „The Great Wall of China“ und „Famous Last Words“. Ich denke, es ist das verrückteste Set, das er je gemacht hat. Absolut. Und es war meine erste Show. Ich fand mich schrecklich. Die Leute sahen verwirrt aus. Natürlich glaube ich, dass sie mich hassen, aber auch die Musikauswahl. Es gab keine Impulse für unsere Leistung. Es begann bleiern und von da an ging es bergab.

Er hat schnell gelernt, dass man die Show nicht rückwärts machen kann. Ja. Das war das seltsamste Set, das wir je gespielt haben, und wahrscheinlich die härteste erste Show, die ich je mit jemandem hatte.

Du hast 2006 eine Menge mehr Shows gemacht. Du hast alles gegeben. Ja. Wir sind viel getourt. Erst als wir nach Japan gingen und dort eine ziemlich umfangreiche Tour machten, hatte ich das Gefühl, eine Vorstellung davon zu haben, wie ich in Billys Band sein könnte.

Erzählen Sie mir, wie Sie mit Crystal Taliefero arbeiten, da Sie beide Schlagzeug spielen. Nun, auf der Enrique-Tour lernten wir, zusammenzuarbeiten und lernten uns kennen und lieben. Mit ihr und Billy wieder in einer Band zu sein, war wie: „Komm her, umarme mich!“ Ich war so verliebt in sie, als ich sie traf. Und das bin ich immer noch. Sie ist einfach eine Meisterleistung. Und sie ist eine unglaubliche Spielerin. Ich hatte nie Probleme mit ihr oder irgendjemandem in der Band zusammenzuarbeiten, von denen einige meine ältesten Freunde sind, wie Mark [Rivera].

Als Billy damals mit der Presse sprach, sagte er oft, dass er sich bald vom Touring zurückziehen würde. Hatten Sie Angst, dass der Job nur von kurzer Dauer sein würde? Ja. Ach du lieber Gott. Jedes Jahr nach dem ersten Jahr hieß es: „Will er rausgehen und es noch einmal machen? Wirklich?" Wir sind immer noch da. Und doch ist er als Autor, Performer und Sänger einfach so ikonisch, und er ist immer noch der Hammer. Es ist für mich ein echter Nervenkitzel, mit ihm auf der Bühne zu stehen, denn er gibt immer noch eine Million Prozent und spielt und singt sich immer noch den Arsch ab.

Was ist Ihre schönste Erinnerung an „Last Play at Shea“ im Jahr 2008? Um ehrlich zu sein, waren die Shea-Shows einige der letzten Shows, die wir mit einem Tontechniker hatten, mit dem ich Probleme hatte. Bei den Shea-Shows war es so, dass ich nicht gut hörte. Der Mann wurde daraufhin ziemlich bald entlassen. Aber es war ein echter Kampf, durchzukommen.

Die Highlights waren einfach der Blick auf die Menge. Wir haben tagsüber so hart für beide Shows gearbeitet und es war ein drückend heißer Sommer. Wir standen den ganzen Nachmittag auf der Bühne und probten den Gast für diesen Abend. Dann mussten wir aufstehen und alles noch einmal machen.

Ich denke, einer meiner Höhepunkte war das Spielen von „Walk This Way“ mit Steven Tyler. Und die schönste Erinnerung war natürlich der Auftritt von Paul McCartney bei der letzten Show.

Als Beatles-Fan von Kindheit an muss es mehr als surreal gewesen sein, mit Paul im Shea Stadium, wo Sie Ringo spielen, „Let It Be“ zu spielen. Seltsamerweise war das einer der Beatles-Songs, die ich noch nie gespielt hatte. Wir begannen das Set mit „I Saw Her Standing There“. Wir hatten keine Ahnung, was wir mit ihm spielen würden, aber das war einer von denen, die verworfen wurden. Ich habe zufällig eine Live at the BBC-Version gehört. Ich dachte: „Ich werde es so spielen.“

Für mich war es so bedeutsam, in den letzten Tagen im Shea, wo er mit den Beatles gespielt hatte, mit Paul McCartney auf der Bühne zu stehen. Es war einfach dieser riesige, seltsame Kreis, den man schließen musste und mit Billy dort oben sein musste. Es war surreal und ich war so geschockt. Am nächsten Tag fühlte es sich an, als hätte ich den längsten Autounfall gehabt, den jemals jemand erlebt hatte. Bei den Gastkünstlern und ihren Liedern hat mich so viel erwartet. Und dann unsere große Setlist bei beiden Shows. Als es endlich vorbei war, fiel mir, glaube ich, einen Monat lang nicht auf, dass wir einfach getan hatten, was wir getan hatten. Es war monumental.

Wie waren die Touren, die Sie mit Billy und Elton John gemacht haben? Die waren großartig. Sie waren etwas ganz anderes. Ich war ein großer Fan von ihm, als seine erste Platte herauskam. Als das Live-in-the-Studio-Album [17.11.70] herauskam, war das einfach ein umwerfendes Musikstück. Mit ihm auf der gleichen Bühne zu stehen … und [Schlagzeuger] Nigel [Olsson]. Ich war in Nigel verliebt. Ich wollte ihn heiraten.

Als Kind war er so ein wunderschöner Kerl mit den langen Haaren. Ich wollte er sein. Ich wollte wie er aussehen. Das würde nie passieren. Aber all diese Jahre später mit ihm auf der Bühne zu stehen und „The Bitch is Back“ zu spielen, war verrückt.

Es ist wirklich schwer in Worte zu fassen, wie bedeutsam diese Erfahrungen sind. Du arbeitest dein ganzes Leben lang daran, hoffentlich ein oder zwei davon zu haben. Und dann die Gelegenheit zu haben, mit all diesen Helden zu spielen, wie Roger Daltrey bei Shea, Paul McCartney, Steven Tyler, Garth Brooks. Es war verrückt. Und dann mit Elton und seiner Band auf Tour zu gehen. Es war einfach nur ein Riesenspaß, wirklich außergewöhnlich.

Ich habe die Show 2008 im Hammerstein Ballroom gesehen, bei der Bruce Springsteen mit Billy und seiner Band für Obama spielte. Das war ziemlich erstaunlich. Das war ein weiterer Meilenstein, denn zu diesem Zeitpunkt kannte ich Bruce bestens und war ein Fan von ihm. Wir waren sozusagen seine Begleitband. Er lud Roy Bittan als seinen Klavierspieler ein. Und mit Bruce und Patti [Scialfa] abzuhängen und andere kennenzulernen, er war einfach das Salz der Erde, so ein cooler Typ. Wir haben ihn dann als Gast bei „Billy at the Garden“ eingeladen, was einfach überirdisch war, um ein paar seiner größten Hits zu spielen.

Im Jahr 2009 hörte Billy auf zu touren und machte deutlich, dass er damit fertig war. Hat er der Band gesagt, dass es das war? Wie hat das funktioniert? Er hatte große Probleme mit seinen Hüften. Außerdem hatte er damals große Probleme mit seiner Frau [Katie Lee]. Er war unglücklich. Keiner von uns konnte ihn trösten. Man konnte ihm einfach ansehen, dass er Schmerzen hatte. Er hatte körperliche Schmerzen. Es brach ihm das Herz wegen dem, was damals mit ihm und seiner Frau geschah.

Schließlich schrieb er einen Brief an uns alle, in dem es hieß: „Ich weiß nicht, was die Zukunft bringt, aber jetzt bin ich am Ende.“ Er wünschte uns Glück. Es war verheerend. Es war ein sehr süßer, herzlicher Brief. Ich habe es wirklich geschätzt, dass er die Extrameile gegangen ist. Unter anderen Umständen würde der Künstler mir nichts sagen. Als wir aufhörten zu spielen, dachte ich wirklich, dass es das sein würde. Wir waren fast drei Jahre weg.

In dieser Zeit begannen Sie, mit dem Billy-Joel-Tribute-Sänger Michael DelGuidice zu spielen. Ja. Es war wieder eines dieser perfekten Dinge – wie „Ich kenne die Musik!“ Ich habe das nicht die ganze Zeit gemacht, aber es kam vor, dass sein langjähriger Schlagzeuger, ein alter Freund, unbedingt eine weitere Gruppe gründen wollte und sich daher nicht auf viele Auftritte festlegen wollte. Anfangs hatte ich nicht vor, es zu tun, aber Tommy meinte: „Du solltest es tun. Es macht Spaß. Sie müssen sich keine Sorgen machen, dass Sie den Stoff nicht kennen.“

Ich habe Michael kennengelernt. Er hat sich als eine weitere Laune der Natur herausgestellt, als einer der unglaublichsten Sänger, mit denen ich je zusammengearbeitet habe. Er ist ein guter Schlagzeuger, ein großartiger Bassist, ein großartiger Gitarrist und ein lächerlicher Sänger. Der Mann ist nur ... wo kommst du her?

War Ihr Ego nicht verletzt, als Sie mit Billy vom Shea Stadium zu einer Tribute-Band gingen, die dieselben Songs spielte? Nein. Ich war dankbar, dass ich weiterhin Rechnungen bezahlen und weiterarbeiten konnte. Ich fand die Band großartig. Ich dachte: „Wenn das das Vermächtnis ist …“ Damals waren Tommy und ich beide Mitglieder von Billys Band und wir spielten mit Michael. Ich dachte: „Das ist eine wirklich passende Hommage an die Band und Billys Musik.“ Ich war eigentlich ziemlich stolz, mit ihnen zusammenzuarbeiten. Es füllte eine große Lücke im Wunsch der Menschen, ihn zu sehen oder seine Musik zu hören. Wir haben in den drei Jahren, in denen ich mit ihm zusammen war, viel gearbeitet.

Ich habe 12-12-12 im Fernsehen gesehen. Ich erinnere mich, dass ich dachte, dass es für Bruce, die Stones, The Who, Roger Waters und McCartney ein etwas seltsamer Abend war. Dann seid ihr rausgekommen und habt den Ort verdammt noch mal zerstört. Es war unwirklich. Haben Sie das auf der Bühne gespürt? Ach du lieber Gott. Es kam mir vor, als wäre mein Kopf explodiert. Es war unheimlich. Billy hatte alles durchgemacht, was er durchgemacht hatte. Zu diesem Zeitpunkt hatte er sogar mit dem Trinken aufgehört und war daher dünner. Er war so konzentriert. Es war wie ein ganz neuer Mensch. Er hatte keine körperlichen Schmerzen. Er arbeitete durch oder auf der anderen Seite des Kummers. Und hier sind wir im Garten. Es war einfach magisch. In meiner Kehle steckte mein Herz. Während der drei Lieder, die wir spielten, konnte ich kaum zu Atem kommen. Ich weiß, dass ich einige davon zu schnell gespielt habe.

Ich war einfach so ausgeflippt und so erstaunt, dass wir es wieder taten. Wir haben nur ein paar Tage lang geprobt. Hauptsächlich war es die Band. Billy ging dort ein und aus, wie er es gerne tut. Aber Mann, vor den Garten zu gehen und zu wissen, dass das hier ausgestrahlt wird …

Viele Leute waren bei dieser Show von Billys Stimme beeindruckt. Sein Körper altert, aber seine Stimme scheint aus irgendeinem Grund nicht zu altern. Es ist fast unheimlich. Tatsächlich ist es in vielerlei Hinsicht besser geworden. Er ist jetzt viel ausdrucksvoller, als ich es jemals gehört habe, und ich werde 18 Jahre lang mit ihm zusammen sein. Und ich bin froh, dass er es immer noch tun möchte. Aber es ist so ein außergewöhnlicher Nervenkitzel, mit diesem Kerl zu spielen. Er feuert aus allen Zylindern.

Sie müssen schockiert gewesen sein, als Sie zum ersten Mal von der monatlichen MSG-Residenz erfahren haben. Ich dachte, ich wäre am 12.12.12 scheiße gewesen. Ich hatte mit Michael gespielt, aber nicht mit ihm. Und bei „Big Shot“ haben wir alles schneller gespielt. Mir gefiel mein Auftritt nicht, aber der von Billy hat mich umgehauen. Er war so unglaublich und makellos. Erst am nächsten Tag bekam ich Anrufe von Leuten, die sagten: „Heilige Scheiße, ihr wart gut.“

Ich glaube, das war der Anstoß für die Residenz. Die Leute im Garten sagten: „Moment mal?!“ Billys Auftritt hat jeden umgehauen, egal wo er im Fernsehen übertragen wurde, wer auch immer zusah, auf der ganzen Welt. Plötzlich war es so: „Okay, wir kommen wieder zusammen und fangen wieder an zu touren, und wir reisen um die ganze Welt.“ Es markierte die nächste Stufe seiner und meiner Karriere. Es war alles wegen dieser Nacht.

Begleiten Sie mich durch Ihren typischen Tag, an dem Sie im Garten spielen. Was passiert, wenn? Ich komme gegen 14:00 oder 14:30 Uhr dort an. Es ist immer eiskalt. Im Garten ist es immer kalt, besonders während der Hockeysaison. Normalerweise komme ich dorthin und sie führen immer noch Line-Checks durch, testen Mikrofone und stellen sicher, dass alles funktioniert. Ich gehe in die Umkleidekabine der Band. Es gibt einen Großbildfernseher. Manchmal findet in der Eishockeysaison ein Eishockeyspiel statt. Manchmal ist es ein Basketballspiel.

Ich entspanne mich und rede mit den Mitgliedern der Crew, Leuten, die schon seit Jahren mit uns zusammenarbeiten. Ich spreche von den Leuten, die die Bewirtung übernehmen und das Essen für uns zubereiten. Dann gehe ich vielleicht auf die Bühne und versuche, dem Geschehen dort nicht im Weg zu stehen. Manchmal justieren sie Sachen an der Decke, sodass sie nicht wollen, dass Bandmitglieder in die Nähe ihrer Ausrüstung kommen, bis die Jungs herunterkommen.

Wenn es gut ist, stehe ich da oben und gehe hinter meine Ausrüstung. Ich warte darauf, dass die anderen Bandmitglieder auftauchen. Ich drehe die Scheiße mit meinem Techniker oder einem der anderen Leute, die an der Show beteiligt sind, den Audio-Leuten oder den Video-Leuten. Wir sind so eine große Familie geworden. Es mangelt nie an jemandem, mit dem man interagieren kann. Sie kennen sie, Sie kennen ihre Kinder, Sie haben Bilder von allem gesehen, was sie tun. Es ist wirklich eine außerordentlich große und weitläufige Familie.

Unterwegs habe ich vielleicht eine SMS erhalten wie: „Hey, hör dir dieses Lied an, ein Lied, das wir nie machen.“ Billy möchte es ausprobieren und den Soundcheck machen.“ Also gehe ich an meinen Computer oder mein iPad und höre es mir an. Wenn es etwas ist, mit dem ich nicht vertraut bin, und das kommt oft vor, mache ich einen Spickzettel, damit ich es auf die Bühne bringen kann. Und wenn wir gegen 16:00 Uhr endlich bereit sind, den kompletten Band-Soundcheck zu machen, können wir den Song durchspielen.

Ich war neulich fassungslos, als du „Los Angelenos“ gemacht hast. Das erfuhr ich auf dem Weg in den Garten. Ich denke, wir haben es vor Jahren vielleicht einmal bei einer Probe versucht. Jahre zuvor. Und das war es. Plötzlich war es so: „Hey, das probieren wir mal beim Soundcheck aus.“ Das war einer dieser Tage, an denen ich, sobald ich reinkam, noch andere Dinge mit der Ausrüstung zu tun hatte. Ich tauschte einige neue Trommeln, die ich zugesandt bekam, gegen die Trommeln aus, die ich verwendet hatte. Und ich habe mir das Lied angehört und ein paar Spickzettel erstellt. Wir haben den Song einmal beim Soundcheck durchgespielt. Billy meinte: „Wie willst du es beenden?“ Wir haben uns für ein Ende entschieden. An diesem Abend haben wir es zum ersten Mal seit 40 Jahren geschafft.

Es waren so viele tolle Gäste da, aber Olivia Rodrigo war wirklich interessant, da sie so jung ist und einen Song sang, der sich auf Billy bezieht. Wie war das? Sie war einzigartig, da sie ein Phänomen war, von dem ich nicht wirklich wusste. Sie ist so viel jünger. Ich kannte niemanden, der ihre Musik kannte, da alle, mit denen ich rumhänge, alt sind. Als ich auf YouTube einen ihrer Auftritte von einem der Musikpreise bekam, dachte ich: „Oh mein Gott, sie ist ein Superstar!“

Das Lied war einzigartig. Es war kein Hardrock. Es war nicht wirklich Pop. Es war eine coole, skurrile Melodie. Ich habe mein Bestes getan, um ihre aufgenommene Version und die etwas andere Live-Version zu lernen, die wir lesen sollten. Sie kam heraus und war beim Soundcheck wirklich nett und sah aus wie zehn Jahre alt.

Wir sind es, glaube ich, nur einmal durchgegangen. Wir waren vorbereitet. Es war wie: „Okay, tschüss.“ Wir haben unseren Soundcheck beendet. Das nächste, was wir wissen, ist, dass sie während unseres Auftritts herauskommt. Und die Leute sind verrückt geworden. Ich meinte: „Es würde mich interessieren, wie viele Leute im Publikum wissen, wer sie ist.“ Sobald er sie ankündigte, waren so viele junge Leute im Publikum, die sagten: „Oh mein Gott!“

Sie hat auch „Uptown Girl“ gemacht. Ja. Das war sehr, sehr cool. Es war eine wundervolle Erfahrung, genau wie die meisten Gäste, die wir hatten. Es war unglaublich, jeden im Garden kennenzulernen und mit ihm zu spielen.

Ich habe vor ein paar Jahren mit Billy gesprochen. Er sagte mir, er sei schockiert, dass er immer noch in Stadien spielen könne, obwohl er seit über 30 Jahren kein Album mehr veröffentlicht habe. Waren Sie schon einmal verblüfft, als Sie die Bühne eines Fußballstadions betraten und sahen, wie groß die Menschenmenge war?

Ja. Aber das Seltsame ist, dass ich dachte, dass wir das erreichen könnten. Als ich anfing, mich mit ihm vertraut zu machen, wurde mir klar: „Oh mein Gott. Diese Band ist so gut. Seine Lieder sind so verdammt gut.“ Eine der ersten Shows, die ich 2006 mit ihm gemacht habe, war der Tokyo Dome in Japan. Als ich an so einem großen Ort spielte, wurde mir klar: „Das ist möglicherweise noch lange nicht erledigt.“ Jetzt stoßen wir auf viele Hindernisse. Ich dachte, wir wären in den drei Jahren, in denen ich nie gedacht hätte, dass wir jemals wieder zusammenkommen würden, aus den Fugen geraten. Aber ich kneife mich selbst und danke dafür, dass diese Erfahrung mit Billy und der Band das Coolste ist, was ich mir vorstellen kann.

Du spielst zwei oder drei Billy-Shows pro Monat. Womit verbringst du deine restliche Zeit? Ich hatte letztes Jahr eine Band mit [Billy Joel-Bassist] Andy Cichon, die meine ganze Freizeit ausfüllte. Aber ich habe eine Mutter, die gerade 99 Jahre alt geworden ist. Ich brachte sie in eine Medicaid-zertifizierte Einrichtung, etwa 30 Minuten von mir entfernt. Ich war in einer Band namens Tokyo Motor Fist. Wir sollten ein drittes Album für Frontiers, die italienische Pop-/Melodic-Rock-Firma, machen. Ich musste sie verlassen, seit sie angefangen haben, Shows zu machen. Es war keine Tour, aber sie machten Verabredungen.

Ich sehe meine Mutter fast jeden Tag. Ich bin das einzige Familienmitglied hier oben. Ich habe noch zwei weitere Brüder, die beide in Kalifornien leben. Die einzige andere nahestehende Person ist meine Nichte. Sie ist ein bisschen wie meine Tochter, aber sie lebt in South Jersey, und das ist zwei Stunden entfernt.

Meine Mutter ist [mental] ganz da. Ich bin sehr gesegnet. Es ist zeitaufwändiger, als ich jemals gedacht hätte, und ich bin dankbar, dass ich ihr etwas zurückgeben kann. Sie ist ein wichtiger Grund, warum ich weiterhin Musik mache. Sie war immer eine große, positive Kraft in meinem Leben. Ich bin gesegnet, sie noch zu haben.

Was hoffen Sie in den nächsten fünf Jahren zu erreichen? Ich habe dieses Heimstudio. Irgendwann möchte ich gut genug darin sein, mein eigener Ingenieur/Produzent zu sein, sodass ich für Aufnahmen anderer Künstler werben kann. Es ist mir egal, wer sie sind, aber ich würde von zu Hause aus arbeiten. Ich würde ihnen einen Track schicken, den sie mischen können und der für ihre Verwendung vorgefertigt ist. Ich bin noch nicht da. Es ist ein langsamer Weg. Ich muss mein eigener Ingenieur und Spieler sein. Ich habe es gemacht, als ich die letzten beiden Alben von Tokyo Motor Fist gemacht habe, aber es war für mich sehr zeitaufwändig. Ich kämpfe immer noch.

Ich würde Billy gerne weiterarbeiten sehen. Es fällt mir schwer, über das Jahresende hinauszukommen. Nur um in Form zu bleiben und Billys Aufgaben erledigen zu können, brauche ich jeden Tag etwa zwei Stunden. Trainieren, am Schlagzeug sitzen ... Ich spiele, um Klick zu machen. Ich spiele zu einigen zuvor aufgenommenen Sachen. Ich werde bei einigen unserer Auftritte spielen, als ob wir einen Auftritt hätten.

Der Unterschied zwischen dem Spielen eines Billy-Songs in meinem Keller und im Madison Square Garden ist, als würde man eine Kugel abschießen und eine Kugel werfen. Sie treffen sich überhaupt nicht, aber ich gebe mein Bestes. Allein schon das nächste Jahr zu überstehen, wird sehr erfüllend und sehr herausfordernd sein.

Wir nähern uns sowohl dem zehnjährigen Jubiläum der Gartenresidenz als auch der 100. Ausstellung der Gartenresidenz. Ja. Das ist vielleicht nächsten März? Ich hatte gerade meine persönliche 100. Show mit Billy im Garden, da es 2006 12 Gardens gab. Als ich sie an die 88 anknüpfte, die wir bei der März-Show erreichten, war das meine 100. Show.

Ich habe es aufgegeben, vorherzusagen, wann er aufhören wird. [Hinweis: Nachdem dieses Interview beendet war, gab Joel bekannt, dass die MSG-Residenz im Juli 2024 enden wird.] Ich glaube, dass er als Künstler noch nicht den Höhepunkt erreicht hat. Hin und wieder höre ich ihn sagen: „Ehh, ich weiß nicht, ob ich es noch habe.“ Ich sage: „Machst du Witze? Alles, was passiert, liegt daran, dass du es immer noch hast.“

Sollte er sich jemals dazu entschließen, den Garden auf Eis zu legen, würde dies nur die Möglichkeit eröffnen, mehr Shows in größerem Maßstab zu machen. Wir könnten eine Reihe verschiedener, großer Shows machen. Wir würden auf jeden Fall nach jedem einzelnen nach Hause kommen. Er möchte, dass zwischen den Shows mindestens 10 Tage liegen. Junge, er hat es verdient. Ich mag es auch. Ich bin so begeistert, nachdem wir gespielt haben.

Ich möchte, dass das mindestens noch ein paar Jahre so bleibt. Es ist einfach so eine coole, coole Sache. Es ist schwer auszudrücken, wie tief es ist, wie wunderbar und wie erfüllend es für mich ist. Ich denke, das ist für alle gleich. Es ist auf einem Niveau, das die meisten Menschen nie erleben werden. Wenn die meisten Leute auf Tour gehen, enden diese Touren und sie bekommen diese Leute überhaupt nicht zu sehen. Da wir nicht auf Tour sind, sagen wir ständig: „Hey!“ Es ist immer wieder neu und trotzdem geht es weiter.

Im Publikum fühlt es sich so an. Ich habe „Szenen aus einem italienischen Restaurant“ 10.000 Mal in meinem Leben gehört. Normalerweise würde ich zu diesem Zeitpunkt nicht zu Hause sitzen und das Lied auflegen. Aber wenn er es im Garden spielt und ich es zusammen mit 20.000 anderen Leuten singe, fühlt es sich wieder frisch an. Ja. Ich habe das Glück, auf diesem Niveau mit jemandem zu spielen, den ich für den amerikanischen Beatle halte. Seine Songs sind so tiefgründig und verrückt wie das Songbuch der Beatles. Wir gehen jedes Mal, wenn wir den Garten spielen, tief nach links und rechts.